Sonámbulos, vampiros y pactos con el diablo: El horror en el Expresionismo alemán

 Por Julio Villeda

Conmemorando Halloween en una época en que Hollywood ha degradado el cine de horror a triviales remakes o a interminables secuelas, te presentamos una breve reseña de tres filmes del género al estilo del expresionismo alemán de principios del siglo XX, que corren a cargo de dos grandes exponentes de esta corriente cinematográfica, Robert Wiene y F.W Murnau, directores, el primero, de “El gabinete del Dr. Caligari” (1919), y de “Nosferatu” (1922) y “Fausto” (1926), el segundo.

Tanto “El gabinete del Dr. Caligari” como “Nosferatu” son piezas clave en el expresionismo alemán por su representación tétrica de la realidad y sus atmósferas sombrías, que marcan la peculiaridad de éste estilo; “Fausto”, por su parte, muestra un excelente trabajo en cuanto a efectos especiales (bastante adelantados para la época), así como una historia, relatada impecablemente, que nos muestra las facetas del lado oscuro de la humanidad cuando se busca satisfacer los deseos personales con la ayuda de fuerzas malignas.

Robert Wiene es la mente maestra detrás del que es considerado el primer filme expresionista alemán, “El Gabinete del Dr. Caligari”, que nos presenta al personaje de Francis (Friedrich Feher), un joven que relata la historia de la llegada a la feria de su pueblo, Holstenwall, de un peculiar personaje, el Dr. Caligari (Werner Krauss), un anciano que ofrece como espectáculo al sonámbulo que viaja con él en su gabinete, Cesare (Conrad Veidt), un personaje oscuro que genera sospechas en Francis cuando se empiezan a llevar a cabo una serie de crímenes misteriosos.

El Dr. Caligaria y Cesare en cuarto con angulos imposibles.

La película, que inicia relatando una historia mediante un flashback (quizá el primero en la historia del cine), fue grabada completamente en interiores y demuestra un estilo típico de la pintura expresionista en su escenografía, estructuras (casas, edificios, etc.) y paisajes con ángulos imposibles y exagerados que ayudan a crear una atmósfera sombría; también hay que resaltar el uso excesivo de maquillaje en los personajes para darles un tinte más oscuro, en especial en el de Cesare, para el que acentúa sus características terroríficas. 

Existe un gran juego con las sombras, recurso muy utilizado en películas posteriores del movimiento. Todos estos recursos ayudan a construir una trama muy bien escrita que concluye de manera inesperada, con un giro imprevisto que deja atónito al espectador.

 Escena inicial de El Gabinete del Dr. Caligari

F.W Murnau, por su parte, dirige de forma sobresaliente una adaptación no oficial de la obra de Bram Stoker, “Drácula”, que, debido al hecho de no poseer los derechos de autor, cambió su título a “Nosferatu”, así como varios elementos de la novela original, entre ellos los nombres de los personajes y el desenlace de la historia.

En esta versión, el protagonista se llama Hutter (Gustav von Wangenheim) y no Jonathan Harker,;Mina aquí es Ellen. El nombre del Conde Drácula cambia a Conde Orlok, interpretado majestuosamente por Max Schreck, quien merece un párrafo aparte: Tan buena fue su actuación y tan convincente su desprendimiento animal, que se especuló que era un vampiro real (esta temática es desarrollada con más profundidad en la película “La Sombra del Vampiro”, dirigida por E. Elias Merhige).

Max Shreck como el Conde Orlok

Una de las razones de tal impacto fue el excelente trabajo de maquillaje, que despojó al personaje de Stoker de todo rastro de refinamiento, presentándolo como una criatura con dientes de rata y mirada amenazadora a quien no es difícil creerle que ha salido de un ataúd.

El filme relata la historia de Hutter, un vendedor de bienes raíces quien, tras el consejo de su extraño jefe, decide emprender un viaje a una extraña tierra en busca del excéntrico Conde Orlok, a quien planea vender la casa que se encuentra enfrente de la suya. Inicia el viaje, no sin antes despedirse de su novia, Ellen.

Ya en su estadía en el castillo del conde, Hutter descubre que éste es un Nosferatu (el portador de la plaga y consumidor de sangre humana), por lo que decide escapar. Sin embargo, el villano lo retiene, viajando él mismo en barco, encerrado en su ataúd lleno de tierra y acompañado por las ratas, hacía el pueblo de Hutter. En la embarcación, toda la tripulación empieza a morir de forma extraña y, cuando Orlok toca tierra, se desata la plaga bubónica.

El filme se destaca, especialmente, por haber sido grabado también en exteriores, algo innovador para la época, y, debido a la parcial falta de control en la iluminación, la imagen del filme es más oscura que la de otras películas de la década de los veinte; está es la razón por la que se aprovechan tan bien los juegos de sombras, como en las escenas donde se proyecta la del conde Orlok, sembarando el miedo en sus víctimas. Cuenta con varios esfectos especiales, como puertas y ataúdes que se cierran solos; así como la superposición de imágenes, un recurso que se volverá característico en la estética de Murnau, y que repetiría en futuros filmes; las actuaciones, por otra parte, son caricaturescas, exageradamente teatrales, transmitiendo en forma enfática los sentimientos de terror y dolor.

“Nosferatu” representa excelentemente el relato popular del vampiro, creando una átmosfera terrorífica y sombría, por lo que sigue siendo, hasta estos días, la mejor película de la tan emblemática historia del muerto viviente.

Acá les dejo la película completa por si la quieren ver; ésta en inglés. 

Cuatro años después, Murnau dirigió una adaptación de la obra de Wolfgang van Goethe, “Fausto”, un viaje metafísico hacia los límites del deseo. El protagonista, encarnado por Gosta Ekman, es tentado por el Diablo, aquí presentado bajo el nombre de Mefisto, para venderle su alma a cambio de todos los conocimientos del universo. Este último fue interpretado de forma entrañable por Emil Jannings, quien, definitivamente, se roba la película, gracias a sus fluctuaciones entre el más puro y frío horror, con un Mefisto maléfico y oscuro, y los tintes románticos y de humor que lo presentan más como una persona que como un demonio. 

Mefisto Oscuro y Málefico

Mefisto representado de forma más humana

Fausto es un alquimista reconocido que quiere curar a su pueblo de una reciente plaga, por lo que experimenta con pociones que pueden ser, potencialmente, una cura. Además de esto, investiga y experimenta para poder hallar la fórmula de la piedra filosofal y, con ella, vivir eternamente. Mefisto hace una apuesta con un Arcángel por el alma de Fausto, asegurando que la puede corromper. Su objetivo se materializa cuando, ante su desilusión por no poder curar a una mujer cuya hija recurrió a su ayuda, Fausto pierde la fe en Dios.

Cansado, Fausto invoca a Mefisto, quién le ofrece firmar un contrato con sangre en el cual deja en claro que rechaza a Dios, obteniendo así por parte del demonio poderes sobrenaturales con los cuales cura a los enfermos, pero estos se percatan que lo hace con la ayuda del mal, por lo que lo rechazan.

Vulnerable, Fausto cae ante las tretas de Mefisto, quien le ofrece la juventud eterna, y el pacto que comenzó por una intención solidaria para curar a su pueblo, se vuelve un trato egoísta, que cumple el único objetivo de satisfacer los deseos de Fausto, perjudicando, así, la vida de varias personas, en especial la de Gretchen, una joven en la que busca el verdadero amor.

Los efectos especiales son muy impresionantes para la época, como en este viaje de Fausto sobre la capa de Mefisto, en la que vuelan sobre ciudades, bosques y cascadas, todo recreado en una maqueta diseñada de manera fiel a la realidad. La superposición de imágenes que Murnau utiliza, como solo él lo sabía hacer, sigue presente en este caso para demostrar el manejo del fuego por parte de Mefisto; por otro lado, las actuaciones dejan de ser tan exageradas con respecto a otras películas del expresionismo alemán, razón por la cual el espectador se conecta más con los personajes y sus emociones, que se vuelven más humanas.

Estas tres películas no son solo ejemplos de la magia del Expresionismo Alemán, sino de la calidad de criaturas que el cine de horror es capaz de crear mediante un insuperable atractivo visual y guiones inteligentes, manteniéndonos, aún en la época del Black Berry, con la respiración en vilo.

(El Expresionismo Alemán aún sigue latente e incluso ha influenciado videos musicales en la actualidad, como el siguiente:)

                         Red Hot Chili Peppers - Otherside

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